La Valse des Pantins (Martin Scorsese)
Voici une sélection de 50 films que je considère comme brillants, importants ou même des purs chefs d'oeuvre qui n'ont pas, ou trop rarement, la chance de figurer dans les recommandations, les tops, les films phares, et cela que ce soit sur internet comme sur les manuels du cinéma que j'ai eu l'occasion de lire. Il m'a fallu faire pas mal de choix, encore une fois ce n'est jamais simple car le cinéma est un art, un ressenti personnel où il n'est jamais évident d'être toujours objectif.
Les cinéphiles purs et durs vont peut être (et j'espère pour eux) trouver la plupart de mes choix évidents mais je considère que les films présentés n'ont pas la notoriété méritée. J'ai essayé de choisir des films relativement assez faciles d'accès et de trouver le bon compromis entre le film d'auteur et plus commercial et calibré. La plupart ne sont pas des films très récents car il y a le temps (et l'Histoire) qui offre un le recul nécessaire pour pouvoir affirmer si le film est important ou vraiment perdu, oublié dans les limbes du cinéma. Je me suis limité à qu'un seul film de certains cinéastes dont beaucoup de leurs films sont à redécouvrir (comme ceux Lumet, Altman, Aldrich, Fleischer...). Dans la flopée de films américains, j'ai essayé de glisser quelques films européens.
Bonne lecture et j'espère bonne découverte à tous !
A bout de course (Running on empty)
de Sidney Lumet
Danny, 17 ans, est le fils d'anciens militants contre la Guerre du Vietnam en fuite. Ces derniers ont organisés un attentat à la bombe contre une fabrique de Napalm, tuant un gardien. Le couple Pope est vivement recherché par l'Etat. Danny vit depuis tout petit dans le changement d'identité et la dissimulation. Tout va changer quand il va rencontrer Lorne Philips, la fille de son professeur de musique.
Le grand Sidney Lumet a dans son immense filmographie beaucoup de films sous estimés (La colline des hommes perdus, Point Limite, The Offense pour n'en citer que trois) mais peut-être que celui là est le plus singulier et le plus émouvant. Rare un film sur l'adolescence et la famille n'a été aussi juste que dans cette pépite des années 80. A travers le regard pudique du cinéaste, l'interprétation sensible (dont le regretté River Phoenix), A bout de course possède un scénario remarquable d'intelligence et de profondeur contournant tous les pièges du genre.
Une réussite absolue et une oeuvre à part pour le cinéaste de 12 hommes en colère qui signe ici mine de rien un de ses plus grands films. Il y a de grandes chances que cette merveille rejoigne vos films cultes auprès de Stand By Me ou The Breakfast Club. Même si je pense que le film de Sidney Lumet, sous son allure simple, est plus proche de la force émotionnelle de La fureur de Vivre ou A l'Est d'Eden ; où même River Phoenix est comparable à James Dean sur bien des égards.
Au delà de la gloire (The Big Red One)
de Samuel Fuller
Griff, Vinci, Zab et Johnson sont quatre jeunes soldats qui s'engagent dans la première division d'infanterie américaine "Big Red One". Sous les ordres du Sergent Possum ils vont parcourir le Globe puis traverser l'Europe, de l'Afrique du Sud à Berlin, pour combattre le nazisme. Ils vont ressortir des champs de batailles traumatisés à vie.
Là également dans la filmographie de Samuel Fuller, il y a des pépites à redécouvrir et réhabiliter (Shock Corridor, White Dog). Je sélectionne ce film car il est le testament du cinéaste et offre une oeuvre à l'image de son cinéma. Malgré une économie de moyen, c'est efficace, audacieux et important. Lui même soldat durant la Guerre, le cinéaste signe ici une oeuvre autobiographique, limite documentaire par moment, passionnante et particulièrement nuancée. Loin des clichés que l'on voit souvent dans le genre, c'est une oeuvre humaine avant tout particulièrement réfléchie et mûre.
Porté par un superbe casting (le charismatique Lee Marvin et Mark Hamill bien loin de Star Wars), Au delà de la Gloire n'a pas la reconnaissance de Full Metal Jacket et Il faut sauver le soldat Ryan qui se sont inspirés de manière plus ou moins flagrante. S'il n'a pas la maîtrise formelle indéniable de ces derniers, Fuller est gagnant sur bien d'autres points sur les films de Kubrick et de Spielberg, mais bien entendu aussi sur beaucoup de films du genre. C'est tout aussi bien car ce film est peut-être le témoignage le plus percutant et intelligent sur la Guerre.
Les flics ne dorment pas la nuit (The New Centurions)
de Richard Fleischer
Roy Fehler, étudiant en droit, s'engage dans la Police pour subvenir aux besoins de sa famille. Partenaire du vétéran Andy Kilvinski, le jeune homme apprécie peu à peu sa nouvelle vie et délaisse peu à peu ses études. Lassée de ne plus le voir, sa femme le quitte et sombre dans la dépression. Il se raccroche à son métier.
Richard Fleischer est lentement mais sûrement réhabilité auprès des cinéphiles ces dernières années. C'est en redécouvrant entre autre cette pépite que l'on comprend pourquoi. Dans la veine du cinéma humaniste de Sidney Lumet, ces flics sont ce qui sera le point de départ de la célèbre série The Wire trente ans plus tard. Aujourd'hui ça reste une fresque authentique, intense, sensible, anti spectaculaire et proche du documentaire passionnant du début à la fin. Tiré d'un roman écrit par un ancien policier, Fleischer trousse un témoignage dense, juste et émouvant plus que jamais brûlant et essentiel d'une Amérique à plusieurs vitesses, pleine de tensions et d’ambiguïtés.
Peut-être le meilleur film sur la police que j'ai eu l'occasion de voir et l'un des meilleurs du réalisateur, ici au sommet de son art. Porté par des acteurs époustouflants (comme toujours George C Scott est parfait et Stacy Keach excellent également) The New Centurions complète parfaitement la trilogie policière de Sidney Lumet Serpico, Le Prince de New-York et Contre enquête. Un très grand film à redécouvrir absolument.
L'ultimatum des trois mercenaires (Twilight's Last Gleaming)
de Robert Aldrich
Le 16 novembre 1981, trois évadés de prison s'infiltrent dans la base militaire du Montana afin de prendre le contrôle de neuf missiles nucléaires. Le meneur, Lawrence Dell, est un ancien général de l'U.S Air force condamné pour meurtre. Il demande à l'Etat Major de l'argent et une extradition par l'US Air Force mais surtout de révéler un document officiel sur l'intervention américaine au Vietnam sans quoi les fusées nucléaires seront lancées.
Dans la filmographie de Robert Aldrich il y a de nombreuses pépites (Vera Cruz, En quatrième Vitesse, Qu'est il arrivé a Baby Jane, Les douze salopards) mais depuis peu de temps, ce film de 1977 est incontestablement à ranger à côté de ces derniers. A sa sortie, le cinéaste a vu son film coupé d'une heure, soit les scènes de discussions politiques passionnantes, afin de le vendre comme de l'action et sur l'étiquette de son dernier succès Les douze salopards. Alors que le scénario et le fond sont avant tout un thriller politique avec des scènes d'actions, le film devait se retrouver alors sans aucun intérêt.
En 2013, le film a été remonté comme l'avait fait le réalisateur à l'origine : c'est tout bonnement une perle de cinéma. On est ici à l’apogée du talent du metteur en scène, un scénario excellent de par son sujet, la qualité de ses dialogues et de sa structure, et porté par un casting génial (dont Burt Lancaster dans un de ces derniers grands rôles). Ce très grand film est particulièrement remarquable pour être produit et sorti aux Etats-Unis avec un sujet si brûlant et son traitement si radical. L'ultimatum des trois mercenaires est un film aussi impressionnant qu'essentiel à ranger à côté des sentiers de la Gloire de Stanley Kubrick et Sept jours en Mai de John Frankenheimer. Ce grand film est assurément à redécouvrir et réhabiliter, à l'image de la filmographie du cinéaste.
Tuez Charley Varrick (Charley Varrick)
de Don Siegel
Mentor de Clint Eastwood, Don Siegel avec A bout portant réalisait une nouvelle adaptation de la nouvelle d'Hemingway que Robert Siodmak avait auparavant transformé en chef d'oeuvre du film noir : Les Tueurs. Quand on voit son Charley Varrick, on comprend que Don Siegel c'est bien plus que de la simple série B. On ne peut lui enlever son amour pour le genre et cette fois sa touche personnelle rayonnante pour le genre donne une autre ampleur au film. C'est sobre, sans esbroufe avec des superbes personnages et tous crédibles, émouvants à leur manière.
Superbement écrit et réalisé, le casting au poil et la musique inspirée de Lalo Shrifrin fait de ce film un bijou absolu de cinéma. Matrice de ce que sera le cinéma de Tarantino par la suite, Don Siegel mélange ici en toute simplicité les codes du policier, du film noir et se fait même plaisir à revisiter La mort aux trousses d'Hitchcock. Ressorti dans une belle édition il y a peu de temps, voilà un cadeau pour cinéphile qui représente tout un pan du genre et un grand film des années 70 à savourer sans attendre.
Lifeboat
d'Alfred Hitchcock
Un navire américain est coulé par un sous marin allemand. Les survivants gagnent un canot de sauvetage. Ils recueillent également Willy, un naufragé du sous marin Allemand, qui s'avère le seul navigateur de tous. Lentement Willy va prendre le contrôle de l'embarcation.
Ce film de commande, et même de propagande, réalisé en plein milieu de la seconde Guerre (1943) fut descendu en flamme car il montrait l'allemand comme le seul navigateur du canot. Sur un scénario écrit en partie par John Steinbeck, Lifeboat est aujourd'hui un film à redécouvrir dans la filmographie d'Hitchcock tout simplement parce que le cinéaste signe une oeuvre audacieuse et d'une très grande modernité comme le sera plus tard L'inconnu du Nord Express et Fenêtre sur Cours.
Le film est remarquable pour sa mise en scène qui ne tombe jamais dans le théâtre filmé ( ce qui n'est pas le cas de La Corde) et relève le défi de s’effacer pour mettre en hauteur la justesse des personnages, des dialogues et de la narration. Lifeboat est un film au message et thèmes universels, peut-être le plus humaniste des films du cinéaste. Hitchcock aimait les défis et les challenges et si ce ne fut pas l'oeuvre la plus facile à mettre en place et qu'il défendait le plus, elle reste à redécouvrir urgemment car il est au diapason de son talent. Un grand Hitchcock donc un grand moment de cinéma, et essentiel.
La dernière séance ( The Last Picture Show)
de Peter Bogdanovich
1951, deux adolescents texans passent leur temps entre le café et le cinéma, seules distractions dans leur petite ville perdue aux confins du désert. Quand une fille engendre une dispute entre eux, l'un d'eux décide de s'engager dans l'armée à la guerre de Corée. Avant de partir, ils décident de voir un dernier film ensemble...
Peter Bogdanovich est un cinéaste plus reconnu auprès de la presse et d'une élite de cinéphile que du public. Il est difficile de se procurer sa filmographie (d)étonnante. Réalisé au début des années 70, le cinéaste, cinéphile avant tout, signe un mélodrame en hommage et dans la tradition du cinéma des années 50. Loin d'être désuet, La dernière séance est un chant du cygne d'un cinéma éteint avec le début de la Nouvelle Vague Hollywoodienne dont le cinéaste est un emblème.
Comme New York New York de Martin Scorsese, le succès ne fut pas au rendez vous mais le film demeure être un chef d'oeuvre personnel et d'une grande maîtrise. Porté par des jeunes acteurs magnifiques que sont Jeff Bridges, Cybill Shepherd (tous deux dans leurs premiers rôles) et Thimothy Bottoms (également dans le puissant Johnny s'en va en Guerre de Dalton Trumbo la même année), La dernière séance est savoureux chef d'oeuvre qui ravira le cinéphile et le spectateur sensible aux films de Kazan et de Sirk.
Ces garçons qui venaient du Bresil ( The Boys from Brazil)
de Franklin J.Schaffner
Au Paraguay, le Docteur Mengele refait surface et organise l'assassinat de 94 hommes dans le monde. Ezra Lieberman, célébre chasseur de nazis, essaie d'en savoir plus et découvre un complot dont la solution s'avère être cauchemardesque pour l'humanité...
Cinéaste brillant et bien trop souvent oublié, Franklin J.Schaffner signe avec ce film peut-être ce qu'il y a de plus audacieux dans le domaine des grandes productions des années 60 et 70. Superbe scénario mené avec intelligence, perversité et maestria et porté par un casting en or (Olivier, Peck, Mason) sur une musique de Jerry Goldsmith au top, Ces garçons qui venaient du Brésil est un bijou de cinéma trop rare.
Même si c'est tiré d'un livre, on retrouve un côté fictionnel qui se permet de réécrire l'Histoire et de jouer intelligemment avec le film d'anticipation. Un exercice de style brillant qui ne laisse pas indemne notamment par sa fin est exceptionnelle. Un merveilleux équilibre qui montre tout le talent de ce metteur en scène qui rassemble cette fois un peu tout son savoir faire en un, soit sa force historique (Patton) et et celle de la science fiction et l'anticipation (La planète des singes). Du grand cinéma tout simplement.
Trois femmes (Three Woman)
de Robert Altman
En Californie, Pinky Rose, dix-huit ans, est engagée comme aide soignante dans un sanatorium. Millie Lammoreaux, vingt-cinq ans, est chargée de la former. Millie prend rapidement Pinky sous son aile et l'héberge. Pinky trouve chez Millie l'idéal féminin jusqu'à ce qu'elle tombe sur son journal intime...
Après That cold day in the park et Images, Robert Altman clôt sa trilogie féminine avec Trois femmes, un superbe portait psychologique et introspectif à la risée du fantastique et de l'onirisme. Sans doute l'oeuvre la moins noire et cynique de l'auteur (du moins en apparence) mais dans sa plus veine la plus sensible. Il est ici à l'opposé de ses autres films qui ont des narrations massives comme Nashville, Un mariage ou Short Cuts.
Porté comme toujours par une grande interprétation, Trois femmes est un des meilleurs et plus grands films de Robert Altman. Le cinéaste avouait que la scène onirique était sa motivation initiale et qu'au final cette dernière s'avérait la moins réussie. Quand on visionne le film, cette scène offre une superbe parenthèse, une coupure temporelle et donne définitivement à l'ensemble une ampleur, une authenticité qui en fait un très grand film. Robert Altman s'était inspiré du travail d'Ingmar Bergman pour cette trilogie, plus tard elle inspira un certain David Lynch.
La rumeur (The Children's Hour)
de William Wyler
Souvent considéré comme un bon faiseur, William Wyler est un cinéaste pour le moins surprenant. La critique et le cinéphile a trop vite collé au cinéaste l'étiquette de Ben-Hur. Seulement le cinéaste a signé de très bons films, entre autre le culte Vacances Romaines et plus tard le bien trop méconnu L'obsédé. Et puis il y a cette Rumeur là qui rassemble deux grandes actrices de l'époque Audrey Hepburn et Shirley Maclaine traitant d'un sujet délicat, très tabou (on est en 1961) : l'homosexualité.
Au lieu d'aborder frontalement le sujet, le scénario prend le thème de la rumeur et dépeint la force destructrice que cette dernière peut exercer sur les victimes. William Wyler est au sommet de sa maîtrise technique, il est entre le génie de Mankiewicz et de Preminger. Il dirige deux actrices formidables, sans doute dans leurs rôles les plus émouvants et sur des thèmes universels et intemporels. Dernièrement, La Chasse de Vinterberg s'est fortement inspiré de ce chef d'oeuvre et il est bien moins réussit. Parce que c'est un film dont on ne parle pas assez et que je le considère comme un chef-d'oeuvre, j'insiste : visionnez-le.
Freud passions secrètes (Freud, The Secret Passion)
de John Huston
A Vienne, en 1885, Freud met en pratique ses premiers essais sur ses patients malades qui mènera plus tard à la psychanalyse.
L'un des derniers rôles de Montgomery Clift et le seul film qui traite et parle de manière si simple et fascinante de Freud. Ce film est bien mieux que A dangerous method de David Cronenberg, relatant un peu la même période. Passionné de psychanalyse, Huston souhaitait absolument réaliser un film sur le sujet. Seulement au lieu de la placer dans une intrigue comme l'a pu faire par exemple Alfred Hitchcock dans La maison du Docteur Edwardes, le cinéaste décida de parler de la naissance de la psychanalyse comme sujet principal. C'est radical au point qu'il n'y a aucunes histoires périphériques dans le scénario, co-écrit par Jean-Paul Sartre.
John Huston a signé nombreux grands films noirs et c'est ici avec plaisir qu'on retrouve ici toute son audace du grand metteur en scène qu'il pouvait être. Porté par une musique de Jerry Goldsmith géniale, une photographie superbe, un montage et une maîtrise scénique très moderne, Freud est passionnant. Une approche quasi documentaire et hypnotique se dégage et marque le spectateur. A l'image des yeux de Clift (mourant sur le tournage) : tout est incandescent et passionné. Un très grand film.
Christine
de John Carpenter
Quand Arnie aperçoit Christine, une vieille Plymouth de l'année 57, il en tombe "taulement" amoureux. Il l'achète, la répare et devient de plus en plus attaché à elle. De son côté c'est réciproque pour Christine aussi. Elle se montre très possessive et dévoile de plus en plus une facette de son passé, celle de tueuse.
Souvent reléguée au second plan dans la filmographie de John Carpenter, cette adaptation du livre de Stephen King sur grand écran est pourtant parfaite et pour moi peut-être la meilleure avec Carrie de Brian De Palma. A chaque visionnage le film gagne en personnalité et en profondeur car il y a un équilibre remarquable entre la matière du livre et le cinéma de Carpenter. Alors qu'il venait de réaliser The Thing et New York 1997, le cinéaste continue sur sa lancée ici et signe peut être son film le plus personnel doté d'un véritable souffle cinématographique.
Utilisant les synthétiseurs de manière moins omniprésente qu'à l'accoutumée et une playlist rock "mortelle", Christine est un brillant teen movie, intensément psychologique à la narration virtuose et touchante. Sous sa fausse allure de série B, il serait dommage de ne pas apprécier les différentes lectures et prendre plaisir, avec le cinéaste, à pointer du doigt la société américaine et de consommation. Avec The Thing, Christine est pour moi le meilleur film du cinéaste, le plus profond, fun, élégant et intemporel.
A la poursuite d'octobre rouge (The Hunt from Red October)
de John McTiernan
1984, l'URSS lance un sous marin de conception révolutionnaire, tous les services américains sont sur les dents. Le capitaine Ramius, un as de la marine soviétique, prend seul les commandes et fonce avec Octobre Rouge sur les Etats-Unis. La tension est à son comble.
John McTiernan est un des maîtres du huis clos et du film d'action des années 80 et 90 justement reconnu pour son cinéma commercial aussi punchy que musclé et fun. Prédator, Las Action Heros et bien sûr ses deux Die Hard qui sont devenus cultes. Ce film de Guerre bien plus sérieux a peut-être une très bonne réputation chez le cinéphile mais il est rarement mis en avant quand on parle des meilleurs films du cinéaste, et même du genre.
Pourtant, on peut savourer une maîtrise de l'espace virtuose en terme de mise en scène, un scénario et des acteurs excellents et surtout avec du fond. Bien sûr on est du côté américain mais combien de films de guerres ou sur le sujet se sont montrés si pertinents et efficaces ? Très peu. Ce film ne vieillit pas, il est porté par le charisme de Sean Connery (comme toujours génial), le scénario est une solide et bonne adaptation du livre de Tom Clancy. McTiernan est au sommet de son talent, tout est superbement découpé, détaillé et la tension est omniprésente, impressionnante.
Little Odessa
de James Gray
Joshua Shapira est un tueur à gages sans états d'âmes. Jusqu'au jour où il est commandité à Little Odessa, le quartier de son enfance.
J'adore ce film, peut-être même mon préféré du cinéaste, même si The Yards et La nuit nous appartient sont incontestablement ses deux plus grands films. Plus épuré, plus simple et aussi efficace, Little Odessa contient son charme bien à lui, la fraîcheur du premier film et possède déjà les thèmes forts que le cinéaste développera par la suite.
Tim Roth est comme toujours génial, Edward Furlong dans un de ses meilleurs rôles et l'intrigue simpliste et émouvante en fait plus qu'un premier film réussit mais une perle puissante qui reste dans mes grands souvenirs de cinéma. Un des meilleurs des années 90 à redécouvrir d'urgence.
Bienvenue Mr Chance (Being There)
d'Hal Ashby
Les aventures d'un jardinier de Washington naïf et simplet prénommé Chance. Mr Chance est tellement naturel que chacune de ses phrases va être prise pour un véritable oracle et devenir la coqueluche du pouvoir.
Quinze ans avant Tom Hanks en Forrest Gump, Peters Sellers avait fait pareil, en bien plus réussit et intelligent. Ce film reprend Candide de Voltaire dans le monde politique et du vingtième siècle et le résultat est très drôle, émouvant, cynique et d'une incroyable dérision ou se dégage une candeur, une poésie assez particulière. Laissant la part belle à un Peter Sellers absolument génial qui est dans son rôle le plus représentatif de son talent mais aussi testamentaire de sa carrière. Les dialogues sont brillants et la mise en scène prend le temps de nous immerger, de nous manipuler.
Hal Ashby est un cinéaste rare, son film le plus culte reste Harold et Maude, mais il réalise ici à nouveau un drôle de film, dans tous les sens du terme. Un grand film lui aussi authentique et terriblement moderne et fort. Quelques longueurs mais on apprécie tant le dernier numéro de Peter Sellers que ça en fait un grand film. L'acteur meurt un an après la sortie du film et sur sa tombe sera gravé la citation d'ouverture du film "La vie est un état d'esprit".
L'homme sauvage ( The Stalking Moon)
de Robert Mulligan
Alors que le western se laissait dépérir complètement en fin des années 60, Robert Mulligan s'est approprié le genre de manière superbe et signe un bijou atmosphérique et crépusculaire. Pour moi ce film est sous estimé car il est du niveau et un complément passionnant à La prisonnière du désert de John Ford.
Un western sombre et paranoïaque, le final est un duel avec une menace dans le hors champs qui frise le fantastique. Robert Mulligan utilise brillamment les codes du genre au point d'offrir rapidement un film intègre, dense et fort avec des dialogues pesés, tel le regard de Gregory Peck, comme toujours magnétique. Le reste du casting est vraiment bon (Eva Marie Saint, Robert Forster), la photographie est sublime ainsi que la musique. Une inspiration certaine pour Clint Eastwood et ses westerns comme L'homme des Hautes plaines et Pale Rider.
De sang froid (In Cold Blood)
de Richard Brooks
1959, deux jeunes repris de justice assassinent de sang froid et sans aucun mobile une famille d'agriculteur. Tiré d'un fait divers et du roman de Truman Capote.
Très grand cinéaste, Richard Brooks s'attaquait en 1967 à l'adaptation du livre dense et difficile de Truman Capote. Il réussit à en faire un chef d'oeuvre cinématographique absolu, peut-être le plus grand film qui pointe du doigt de manière si dérangeante la folie de l'être humain mais aussi la peine capitale. Sur la musique Jazzy de Quincy Jones, le cinéaste signe une introspection et une reconstitution aussi glaciale que passionnante de cet acte horrible.
Dix ans auparavant Robert Wise réalisait le très méconnu Je veux vivre (que je recommande au passage) qui traite de manière plus frontale le sujet sur la peine de mort. Ici le sujet est plus en toile de fond mais s'avère à la fin être un des aspects les plus dérangeants et perturbants du film. L'approche du cinéaste est toujours d'une incroyable modernité, complexité, d'une densité documentaire et froideur toujours aussi marquante et extrême. Des années après on admire une rare maîtrise des codes du polar et reste sans aucun doute le film qui a eu le plus d'influence sur les thèmes et l'approche du cinéma de David Fincher. Trop peu mis en avant, De Sang Froid est un des plus grands films du cinéma.
Le Chat
de Pierre Granier-Deferre
Dans un pavillon de banlieue épargné par la destruction, un vieux couple sans enfants se déchire. Julien Bouin, ouvrier à la retraite, n'aime plus sa femme, Clémence, ancienne trapeziste qui a du abandonner sa carrière suite à une chute. Lorsque Julien recueille un chat et lui donne toute son affection, la jalousie commende de plus en plus à emporter Clémence.
Adapté d'un roman de Simenon, ce huis clos psychologique est un très grand film, bien trop peu cité dans les grandes réussites du cinéma français. Pourtant, il y a peut-être ce qu'il y a de mieux dans le paysage et le savoir faire du cinéma de l'époque, tant décrié par La Nouvelle Vague. Un scénario et des dialogues très bien écrits, une mise en scène au cordeau ponctuée de silences et de non dits impressionnants. Cependant c'est surtout un affrontement exceptionnel entre deux monstres du cinéma français que sont Jean Gabin et Simone Signoret, tous deux au sommet de leur talent.
D'une grand amertume et d'une infinie tristesse, Le Chat est plus proche du réalisme de Balzac que le drame explicatif que l'on a l'habitude de voir sur les écrans, proche du cinéma tant aimé et désiré de Claude Chabrol. Tout dedans est une réussite, à commencer par la concision (le film fait une heure et demie) et la souplesse de l'écriture, de la narration mais aussi de la mise en scène. Un classique pour nombreux spectateurs qui l'ont visionnés, il serait dommage qu'il tombe dans l'oubli et de ne pas le faire (re)découvrir.
de John Frankenheimer
Un homme d'âge mur, déçu de son existence monotone, reçoit un coup de téléphone d'un ami qu'il croyait mort. Celui-ci lui propose de refaire sa vie en simulant sa mort. Il finit par signer un contrat qui lui permet de changer de visage et de repartir de zéro. Tout à un prix, et cette nouvelle existence n’échappe pas à la règle.
Plus connu aux Etats-Unis qu'en France, Seconds est une indéniable réussite que n'a pas dût laisser insensible Stanley Kubrick tant elle dérange et s'apparente à son oeuvre. Le générique de Saul Bass est devenu une référence dans le genre, la musique de Goldsmith une nouvelle fois est une véritable merveille et John Frankenheimer brille autant dans le trouble et l'émotion dans cet exercice aussi périlleux que virtuose.
Un film glaçant, qui oscillerait quelque part entre Orange mécanique et 1984 mais de manière tout à fait authentique. Le noir et blanc est sublime, l'ensemble hypnotique, viscéral, troublant, émouvant et d'une grande élégance. La performance de Rock Hudson est superbe et déchirante. Le film peut se conseiller comme un mélange de Kubrick donc, mais également de David Lynch quand il réalise Elephant man tant le film a une empreinte cauchemardesque et humaniste à la fois. Un grand film avant-gardiste et intemporel.
Les duellistes (The Duellists)
de Ridley Scott
Deux lieutenants de l'armée napoléonienne vont poursuivre une querelle pendant 15 ans à travers toute l'Europe et se provoquer régulièrement en duel.
Les Duellistes est le premier film de Ridley Scott, soit sa mise en jambe juste avant de signer ses deux films cultes que sont Alien et Blade Runner. Il faut quand même avouer qu'il réalise trois grands films dans la foulée car ces duellistes dépassent le simple exercice de style qui se contente de marcher sur les pas de Barry Lyndon de Stanley Kubrick. Si le film de Scott ne se compare que techniquement par rapport à ce dernier (éclairage naturel), il se démarque par son scénario, axé la vengeance, la revanche et l'action, véritable moteur du film et du concept très avant gardiste (le film est réalisé en 1977) de ce que sera le jeu vidéo plus tard.
Le film est d'une beauté époustouflante visuellement mais possède une fraîcheur toujours intacte dans le traitement de l'intrigue. Sur le papier ce n'est qu'une série B ou un film de cape et d'épées mais en réalité il en est tout autre. Le cinéaste se repose sur la simple intrigue pour utiliser son sens du visuel pour donner une dimension esthétique sublime, offrir la part belle à l'immersion et surtout la psychologie des personnages et du temps qui passe. Le film paraît assez anodin mais il se dégage la fatigue et une étude sur l'être humain et sa soif de revanche bien plus passionnante et émouvante qu'il ne paraît au premier visionnage. Premier film, premier monument à redécouvrir.
Strange Days
de Kathryn Bigelow
L'un des plus grands films des années 90 réalisé par une Kathryn Bigelow en pleine forme. Ecrit par Jay Cocks (scénariste de Martin Scorsese) et John Cameron (ici au meilleur et avec la noirceur bienvenue de son premier Terminator), le scénario alterne entre l'anticipation et le passage redouté de l'an 2000, post apocalyptique. Casting au poil, laissant la part belle au talent de Ralph Fiennes, comme toujours, génial.
C'est un film brillant à bien des égards. D'abord par son concept, celui de pouvoir revivre les souvenirs à travers la vidéo, plongé dans une société qui perd de son sens et de son humanité. Mais aussi par la forme radicale de la mise en scène de la cinéaste. Bigelow développera son cinéma sans concession par la suite mais il faut voir l'audace de l'introduction qui est excellente et aujourd'hui toujours aussi magistrale. Techniquement impressionnant, le film est bien plus subversif qu'à l'accoutumée, faisant penser à Point Break de la cinéaste mais avec cette fois un scénario à la structure dramatique bien plus construite et intéressante. Un très grand film qui hélas pour lui n'a pas marché en salles. Il est à réhabiliter d'urgence et sera un dvd à glisser entre Total Recall et L'armée des douze singes.
Le sixième sens (Manhunter)
de Michael Mann
Will Graham est un des experts-légistes les plus habiles du F.B.I. Il excelle dans l'art de reconstituer dans à partir d'éléments quasiment inexistants le profil d'un assassin. Mais son "sixième sens" lui a valu de frôler la mort plusieurs fois. A la retraite depuis trois ans, il est recontacté par Crawford, un ancien collègue, pour une affaire complexe, celle d'un "tueur de la pleine lune".
Avant le succès début des années 90 du film de Jonathan Demme Le silence des agneaux, Michael Mann avait ouvert la voix avec cette adaptation brillante de Dragon Rouge de Thomas Harris ( qui ne se compare même pas une seconde avec la version inutile et naze de Brett Ratner des années 2000). Si la mise en scène est plus marquée dans son époque que celle de Demme, elle est bien aussi bien plus personnelle. On retrouve le côté clinique, passionnant et violent du livre de Thomas Harris et le pur sens de la mise en scène de Mann.
Dans l'inconscient collectif Hannibal Lecter c'est l'interprétation d'Anthony Hopkins. La version de Brian Cox ici est tout aussi différente et fascinante, à l'image du film de Mann par rapport celui de Demme. Dans les deux cas, les deux cinéastes (et scénaristes) ont su capter l'univers des romans d'Harris et son devenus deux chefs d'oeuvre du policier. Manhunter est un grand film des années 80 qui gagne en majesté de visionnage en visionnage, et reste toujours l'un des meilleurs films de Michael Mann.
Le point de non retour (Point Blank)
de John Boorman
Pour le compte de son ami Reese, Walker, accompagné de sa femme, récupére dans la prison désaffectée d'Alcatraz un magot de 93 000 dollars. L'opération réussit. Reese abat Walker et part avec sa femme qu'il convoitait depuis longtemps. Seulement Walker n'est pas complètement mort et entreprend sa vengeance.
Le premier film américain de Boorman a une intrigue toute simpliste mais il est, à l'image de la mise en scène, d'une redoutable efficacité. Toute la matrice que sera plus tard Kill Bill de Quentin Tarantino se retrouve dans ce policier violent et (toujours) avant gardiste. Le cinéaste explose les codes du genre pour nous transporter au plus proche de l'esprit du personnage principal campé par un Lee Marvin impérial.
Entre le pur film noir, de vengeance et le psychédélisme, l'expérimental Le point de non retour est un des meilleurs policiers que j'ai eu l'occasion de voir. C'est non seulement un des meilleurs de John Boorman avec Delivrance mais surtout une oeuvre bien à part, une expérience totale et unique qui vaut vraiment le temps de s'y attarder, et de revisionner encore et encore. Une claque cinématographique sèche, aride ... inégalée.
L'année de tous les dangers (The year of living dangerously)
de Peter Weir
L'un des (nombreux) films de Peter Weir à redécouvrir, ici à l’occurrence son premier film américain. L'exclusivité de la période historique, le scénario remarquable, les dialogues justes et avec en prime la musique de Maurice Jarre donnent une atmosphère immersive et inoubliable.
On a droit à un superbe duo Mel Gibson et Sigourney Weaver, bien loin des rôles et le genre où ils ont été reconnus dans Mad Max et Alien la décennie précédente. La mise en scène toujours précise et juste du cinéaste offre toujours un très beau drame historique et d'investigation. L'année de tous les dangers est un film complexe et très sensible, à l'image du personnage interprété par Linda Hunt, absolument géniale et inoubliable.
de Christian Petzold
Juin 1945. Nelly Lenz, rescapée d'Auschwitz, est gravement défigurée. Après une opération faciale réussie, elle repart à la recherche de son mari qui ne la reconnaît pas. Il lui propose de prendre l'identité de son épouse présumée morte pour récupérer l'héritage.
S'il peut en dérouter certains pour son invraisemblance, Phoenix est loin des machines à Oscars et des drames traditionnels. Reprenant Sueurs Froides dans le néo réalisme d'Allemagne année zéro, Petzold signe avant tout une merveille de cinéma riche en thèmes passionnants ( l'identité, la reconstruction, l'amour, le deuil) tous traités avec beaucoup de sensibilité, d'intelligence, une folle élégance et terrible audace.
Sous son allure Hitchcockienne, le film de Petzold fait aussi penser aux Yeux sans visage de Georges Franju (récemment repris par Almodovar pour La piel que Habito) et surtout Seconds l'opération diabolique (précédemment sélectionné). Cependant le film reste surtout reste une oeuvre unique, un chef d'oeuvre d'émotion porté par une magnifique actrice : Nina Hoss. Un des plus grands films des années 2010.
Monsieur Klein
de Joseph Losey
Le mythe Delon s'est crée parce qu'il a tourné dans d'excellents films avec les meilleurs réalisateurs de son époque mais avec ce Monsieur Klein, il est incontestablement dans son meilleur rôle de composition. Le film de Joseph Losey (lui aussi grand réalisateur) est assez hors du commun, une oeuvre rare sur la Guerre, l'identité, le racisme.
Un très grand film passé aux oubliettes à tort car c'est un joyau rare. Peu de films, aussi captivants et savamment réalisés et à l'écriture si pesée, pointent du doigt de manière aussi dense et monstrueuse le trouble de l'identité. Très kafkaïen, le régime de Vichy et la France occupée, les collabos sont dénoncés par un Losey au sommet de son art, à mi chemin entre deux chefs d'oeuvre de Melville : L'armée des Ombres et Le Samourai (aussi avec Delon). Vraiment un film à ressortir d'urgence des placards. Ne serai-ce pour prouver à pas mal de monde qu'un jour Alain Delon était un grand acteur, plus qu'un physique ou une icone de cinéma, bien avant de devenir la personnalité actuelle.
de Bob Fosse
Biopic sur Lenny Bruce, comique inventeur du Stand up et controversé pour sa provocation sur le puritanisme américain.
Connu pour le culte Cabaret et récompensé pour All That Jazz, Bob Fosse est un cinéaste rare mais reconnu. Seulement son biopic sur Lenny Bruce, interprété par Dustin Hoffman ici au sommet de son talent, est vraiment à redécouvrir. Non seulement pour découvrir un des plus grands rôles de l'acteur mais surtout pour la vie de cet humoriste hors du commun.
Noir et blanc sublime, écriture moderne et juste, bien rythmé qui forge déjà ce qui sera les bases du biopic de bases que nous voyons depuis plus de vingt ans à toutes les sauces. Sans jamais tomber dans la caricature, Lenny est un grand film, plus introspectif qu'il n'y paraît sur les années 60. C'est un film sur une période complexe et insaisissable et qui soulève toujours aujourd'hui des questions avec beaucoup de fond. Un des grands films des années 70 à redécouvrir.
de Luigi Comencini
Le consul du Royaume Unis à Florence, Sir Duncombe, vient de perdre son épouse. Il demande à son fils aîné, Andrea, de ne rien dire à son petit frère. Andrea, bouleversé par la mort de sa mère, ne parviendra jamais à communiquer avec un père qui le croit insensible.
A l'époque descendu par la presse puis réhabilité au fil des années, ce chef d'oeuvre de Comencini est un des plus beaux mélodrames que j'ai eu l'occasion de voir. Une prodigieuse étude sur l'enfance, sans fioritures, ni artifices composée toute en finesse et subtilité que l'on peut ranger aux côté du Kid de Chaplin et Le Tombeau des Lucioles de Takahata.
Si vous voulez faire pleurer quelqu'un devant un écran, ce film est à mon avis le dernier essai. Si le film est régulièrement drôle, il est terriblement déchirant et triste sur sa fin. Si l'écriture et la mise en scène sont bien sûr à saluer, il faut absolument souligner l'interprétation extraordinaire des acteurs, notamment du jeune acteur principal qui marquera à jamais votre cinéphilie. Chef d'oeuvre à redécouvrir et vraiment à considérer comme un des meilleurs films du septième art.
Enquête sur un citoyen au dessus de tout soupçon (Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto)
d'Elio Petri
Qui a dit que film politique était toujours ennuyeux ? Ce film confirme bien le contraire car à travers un polar original et brillamment écrit, Elio Petri dépeint la politique et la société italienne avec beaucoup d'humour et de cynisme. Tout y est équilibré intelligent, intemporel et parsemé d'un humour noir ravageur.
Les ingrédients qui rendent le film encore plus savoureux, et lui donne une autre dimension, sont au nombre de deux : Ennio Morricone et Gian Maria Volonté. Tous deux sont exceptionnels de complémentarité, entre dérision et de justesse satyrique, qui contrebalancent parfaitement un scénario subversif. C'est un véritable chef d'oeuvre du cinéma italien, jamais assez cité et trop confidentiel à mon goût au vu sa qualité remarquable.
24 heures avant la nuit (25th hours)
de Spike Lee
C'est la dernière nuit de liberté avant sept ans de prison pour Monty Brogan. Il dit au revoir à son monde qui l'avait éloigné de ses proches et fait le point sur sa vie.
Le film est devenu culte et a marqué les années 2000, notamment avec le fameux monologue de Norton devant le miroir. Cependant il serait dommage de ne retenir que cela le film de Spike Lee. Il a une écriture brillante, un casting impeccable offrant sur un plateau d'argent le meilleur rôle à Norton (et non ce n'est pas le surestimé American History X). La 25ième heure est une introspection puissante et juste qui va rester une trace indélébile au cinéma.
Et puis c'est surtout le meilleur film de Spike Lee. Aussi engagé soit-il, le cinéaste s'efface plus que d'habitude et le film gagne en sobriété. Ce grand film n'est jamais assez cité à mon goût, d'où sa place dans ce classement, alors que je trouve qu'il est incontestablement comme une des plus grandes réussites du cinéma américain post 11 septembre.
Scum
d'Alan Clarke
Angleterre, années 70. Trois jeunes, Carlin Davis et Angel, arrivent dans un borstal, un centre de détention pour mineur. Ils vont connaître l'enfer dans un système ou la Loi est celle du plus fort, du plus méchant où règne la terreur et l'humiliation.
Certainement l'un des plus grands films anglais, sur l'univers carcéral et l'adolescence que j'ai eu l'occasion de voir. Alan Clarke signe un véritable chef d'oeuvre que l'on peut ranger sans problème à côté des meilleurs Kubrick. Tout est d'une intensité, d'une pertinence et d'une force émotionnelle si puissante que ça marque le spectateur. Quarante ans plus tard, Scum fait toujours l'effet d'un coup de fouet, une claque magistrale.
Kim Shapiron a plagié quasiment l'intégralité du (télé)film d'Alan Clarke pour Dog Pound. Il paraît complètement désincarné à côté, malgré l'interprétation impliquée des jeunes acteurs. Le film est une référence pour plusieurs films confidentiels comme Les révoltés de l'ile du diable de Marius Holst ou Les poings contre les murs de David Mackenzie, à redécouvrir également. Alan Clarke a révélé Ray Winstone ici, par la suite Tim Roth dans Made in Britain puis a réalisé le film original Elephant qui inspirera le film de Van Sant. Un cinéaste iconique en Angleterre, Scum peut a lui seul représenter la grande force du cinéma anglais.
La mauvaise éducation (La mala educacion)
de Pedro Almodovar
C'est l'exercice de style le plus ambitieux, virtuose, sombre, autobiographique et personnel du cinéaste. Je trouve aussi que c'est le meilleur car c'est certainement son plus maîtrisé et surtout sincère. Avant de s'attaquer au thriller pur avec La piel que habito, Almodovar était déjà ici au sommet de son style. Dans La mauvaise éducation il y a un superbe mélange de noirceur, d'émotion, de témoignage et de déclaration d'amour pour les hommes et le cinéma.
La mauvaise éducation est un condensé du cinéma d'Almodovar en plus sobre que ce que l'on peut voir d'habitude dans ses films plus hauts en couleurs. La photographie est somptueuse et la musique, moins envahissante que d'habitude, apportent une élégance et de la noblesse à un scénario bien équilibré et fort. Pour du Almodovar c'est toujours de cousu main mais pour une des rares fois on en voit pas trop les coutures. L'interprétation et les personnages sont vraiment touchants. Un grand moment de cinéma où Almodovar joue avec les codes du cinéma et son style et lui offre une noblesse bien rare. Un très grand film.
Croix de fer (Cross of Iron)
de Sam Peckinpah
Sur le Front Russe, un aristocrate allemand est prêt à tout pour obtenir la Croix de fer. Tout sauf y laisser la vie. Cette conception du métier de soldat est à l'opposée de celle de son responsable, un vieux Baroudeur.
Le pays de l'Oncle Sam par Peckinpah n'est jamais vraiment joyeux. Après un passage au Mexique (Alfredo Garcia) ou en Angleterre (Chiens de paille) le cinéaste pose cette fois sa caméra dans le pur film de Guerre et surtout du côté allemand pendant la seconde guerre mondiale. C'est inédit, avec beaucoup de fond, puissant et puis c'est un des derniers grands films du cinéaste. Rien que pour ça, c'est une bonne raison de le voir.
Croix de fer est réellement le genre de film à réhabiliter car il reste, avec Au delà de la Gloire de Fuller (présenté plus haut), comme un des meilleurs films du genre injustement oublié. Unique et personnel, Peckinpah nuance la notion de patriotisme, d’héroïsme mais surtout l'image des allemands engagés dans l'armée du Reich. L'interprétation impeccable et la mise en scène à double tranchant du cinéaste sont à son comble, comme un testament brillant de l'ensemble de sa carrière. C'est un film qui peut dérouter par ses ruptures nombreuses de ton. Peckinpah comme souvent alterne le film sec et violent dans la lignée de La Horde sauvage mais aussi celui plus doux, bien plus humaniste et mélancolique comme Un nommé Cable Hogue. On a droit à un exercice de style qui représente bien le cinéma si particulier du cinéaste, entre grande fresque et série B. Il faut redécouvrir ce film qui est à l'image de la carrière de Peckinpah : unique et rare.
L'Homme des Hautes plaines (High Plains Drifter)
de Clint Eastwood
Un étranger arrive dans une ville frontalière du sud ouest américain. Trois jeunes cowboy le provoquent, il les abat de sang froid. Les habitants de la ville lui demande alors de les sauver d'une bande qui menace de détruire la ville. L'homme accepte mais sous certaines conditions.
Deuxième film de Clint Eastwood en tant que réalisateur et c'est son premier western. Peut-être un de ses westerns les plus relégués au second plan dans lesquels il a joué et qu'il a réalisé par la suite dont le multi-récompensé Impitoyable. Ce qui est fort dommage car ici Eastwood incarne le diable en personne et son approche ne se contente pas de s'inspirer de ses mentors (Siegel et Leone) mais de signer un travail personnel, proche d'un ton cynique à la Peckinpah et d'un apport fantastique, dérangeant et radical un peu à la Friedkin.
Clint Eastwood est incontestablement un des cinéastes les plus majeurs du cinéma, et ici dès sa deuxième réalisation, alors qu'il avait son image iconique, il osait renverser les codes et les attentes comme il a pu faire dans son rôle complexe dans Les proies de Don Siegel. L'homme des Hautes plaines reste toujours le film le plus dérangeant et violent du cinéaste. Dans la lignée des plus grands westerns aucun autre ne ressemble à celui de Clint. Je le considère comme un des cinq plus grands films du cinéaste. Il est injustement trop oublié dans sa filmographie, immensément riche il est vrai.
The Magdalene Sisters
de Peter Mullan
1963 proche de Dublin. Trois jeune femmes, avec des différents passés, se retrouvent internées dans une institution religieuse et confrontées à Soeur Bridget, dirigeante de l'établissement, qui leur explique comment par la prière et le travail elles expieront leurs pêchés et sauveront leurs âmes.
Bien avant que le féminisme soit un thème brûlant et d'actualité, Peter Mullan en 2001 rendait hommage aux femmes maltraitées avec cette perle de cinéma qui remet en cause la place, l'impact de la religion et sa responsabilité sur la condition de la femme dans notre société.
S'inspirant de faits réels, Peter Mullan s'est appuyé sur de vrais témoignages dans les deux camps et signe un pamphlet à l'anglaise, extrêmement réaliste, juste et fort. L'interprétation est excellente, les personnages sont bouleversants et on entre jamais dans le pathos. Mullan a un regard juste et pudique, niché entre Alan Clarke et Arthur Penn. Essentiel.
de Richard Attenborough
Un des films (le quatrième) réalisés Richard Attenborough des plus oubliés et c'est bien dommage. Son passage dans le thriller fantastique est brillant. J'ai pensé à du Stephen King avec le script bien sûr mais aussi car le film ressemble dans son efficacité académique à Misery de Rob Reiner. Ce qui est assez normal car c'est tout simplement William Goldman au scénario.
Porté par l'interprétation exceptionnelle d'Anthony Hopkins et accompagné par la musique angoissante de Jerry Goldsmith, Attenborough signe un thriller psychologique très habile et sensible. Les thèmes psychologiques, à l'apparence simple, sur le dédoublement de personnalité, de la schizophrénie sont magistralement traités et bien plus profonds qu'il n'y paraît. Le personnage principal me fait penser aussi à une version déprimée de Pumpkin dans La Valse des pantins. Un grand film à l'atmosphère tendue et au charme unique avec du retors. C'est à redécouvrir d'urgence.
The Indian Runner
de Sean Penn
1968. Deux frères jadis très proches sont à un tournant de leur vie. Joe a abandonné la ferme pour devenir policier et Franck lui revient du Vietnam. Tous deux ont des motivations et idéologies différentes et il est temps pour eux de passer à l'âge adulte.
C'est le premier film de Sean Penn et peut-être encore aujourd'hui celui qui a le plus de d'équilibre entre la noirceur et la sensibilité, la matière brute et la beauté stylistique. A travers les personnages de deux frères, Sean Penn dépeint une Amérique traumatisée par la Guerre du Vietnam qui se cherche et se ballade sur les tombes, les âmes et traditions indiennes.
Avec une superbe bande son et des acteurs sensationnels (Viggo Mortensen à ses débuts est électrique), The Indian Runner est un film assez lent et contemplatif qui peut dérouter par son registre introspectif et même autodestructeur qui peut paraître un peu too much. Cependant il est plein de non dit, de profondeur insondable et d'une grande maturité. Jamais Sean Penn ne montrera de manière à la fois si abrupte et subtile les cicatrices de ses personnages mais aussi de l'Amérique. Cela malgré un très grand Jack Nicholson dans ses deux films suivants (Crossing Guard et The Pledge).
La blessure (Cutter's Way)
d'Ivan Passer
Un chant du cygne dans les années 80 de la Nouvelle Vague Hollywoodienne sur l’Amérique post Vietnam. Un film porté par une brochette d'acteurs incroyables dont Jeff Brigdes qui, après La dernière Séance, est ici dans la même démarche. Quelque part entre le cinéma de Cimino et de Schatzberg La Blessure a pu être produit uniquement grâce au succès de Chinatown de Roman Polanski.
Le scénario utilise une intrigue policière pour faire ressortir les failles, les blessures sociales, politiques et psychologiques du pays et bien sûr de ses personnages. La mise en scène est brillante, d'une grande justesse et les personnages ambigus à souhaits. Le soleil de Californie est peint de manière bien obscure dans ce film noir, subtil et dense, porté par la bande son d'un Jack Nitzsche qui donne une touche indéniable à la réussite du film. A redécouvrir.
d'Arthur Penn
Comme pour Cutter's Way (présenté juste au dessus), un autre chant du cygne de la Nouvelle Vague Hollywoodienne mais cette fois par l'un de ses mentors Arthur Penn. Georgia est une fresque sur l'immigration, des américains et sur l'Amérique des années 60. A travers les personnages et leurs sentiments, le cinéaste du Gaucher dépeint la mélancolie sur le temps qui passe de manière beaucoup plus contemplative qu'à ses débuts. Penn avait commencé à devenir plus viscéral et mélancolique dans ses deux précédents films Missouri Breaks et La fugue et continue ici la même veine mais cette fois dans une oeuvre à l'ambition plus proche et grande de Little Big Man.
Le film fut un échec commercial car ce n'était plus le cinéma demandé dans les années 80. Il en était également du même sort pour Les portes du Paradis de Michael Cimino et Il était une fois en Amérique de Sergio Leone. Ces derniers ont depuis été réhabilités avec le temps. Georgia est aussi le film le plus personnel d'Arthur Penn et, comme chez Peckinpah ou Altman, le rythme particulier peut dérouter mais reste incontestablement un des plus grandes fresques sur les Etats-Unis.
Garçonne (Out of the blue)
de Dennis Hopper
Garçon manqué, Cindy vit avec seule avec sa mère toxico après que son père alcoolique soit emprisonné pour 5 ans, responsable d'un accident de car scolaire. Quand son père est libéré, ils essaient de repartir sur de bonnes bases mais ça ne dure pas longtemps.Les films de Dennis Hopper sont assez difficiles à se procurer (The Last Movie). Celui-ci est trouvable désormais et je vous le recommande vivement. Radical et résolument Punk, ce film est une claque magistrale qui dépeint sans aucune concession l'âme sombre de l'humanité et fait le terrible constat de la génération Hippie. Dennis Hopper montre l'autre côté du miroir des années peace and love, soit l'après Easy Rider que le cinéaste avait réalisé onze ans auparavant. Et c'est bien meilleur.
Porté par une bande son géniale (Neil Young, la grande classe), le film à une atmosphère malsaine et marquante. Les acteurs sont superbes et arrivent tant bien que mal à se faire une place dans la fureur et la folie de Dennis Hopper. Qu'elle soit devant ou derrière la caméra, sa folie toujours aussi impressionnante. Un très grand film qui mérite bien plus de reconnaissance, je le trouve bien plus réussit que le générationnel Easy Rider.
Blue Collar
de Paul Schrader
Trois ouvriers de l'usine automobile de Detroit tentent de s'opposer à l'immobilisme et la corruption du syndicat.
Juste après avoir signé le scénario de Taxi Driver, Paul Schrader se lance dans sa première réalisation dont il signe bien évidemment le scénario. Ce dernier est particulièrement remarquable. C'est du cinéma social très à l'anglaise mais traité à la Schrader, c'est à dire avec une intrigue carrée, beaucoup de fond et des personnages solides et passionnants. Peut-être le plus accessible mais aussi efficace des scripts de Schrader qui fait ici une démonstration grandiose de son talent.
Sous l'intrigue d'un casse puis d'une comédie de plus en plus dramatique, Paul Schrader démontre à quel point le monde ouvrier et les syndicats sont complexes et peuvent s'écrouler tel un château de cartes. Il montre génialement comment la politique et le travail peut détruire les relations et l'humanité entre les êtres humain. La mise en scène est sobre, incisive et colle parfaitement avec le sujet. Un très grand film à redécouvrir absolument avec un casting parfait et des dialogues d'une grande justesse.
La mort en direct (Death Watch)
de Bertrand Tavernier
Dans un futur proche, un homme a une caméra greffée dans le cerveau et filme tout ce qu'il regarde. Il va suivre une femme qui veut mourir librement, loin de tous les regards des médias et des émissions de télévision.
Bertrand Tavernier a signé dans les années 80 un avant goût de ce que sera plus tard l'essence de la série Black Mirror. Aujourd'hui le film reste comme une des plus grandes réussites et personnels du réalisateur mais aussi un de ces plus lyriques. Le cinéaste explore le film d'anticipation et signe une oeuvre singulière comme dans sa conquête des genres il a pu le faire avec Le juge et l'assassin, Coup de Torchon et plus récemment avec Dans la brume Electrique.
La mort en direct reste toujours une stupéfiante et subtile plongée dans le monde du voyeurisme et de la télévision. Une oeuvre visionnaire et mal comprise à l'époque comme La Valse des Pantins. On peut penser et faire le rapprochement avec Le Voyeur de Powell et le Truman Show de Weir mais le film de Tavernier reste à part, car beaucoup plus réaliste et porté par deux acteurs aux techniques opposées mais à la quintessence de leur talent : Harvey Keitel et Romy Schneider.
Boogie Nights
de Paul Thomas Anderson
C'est vrai que c'est un film culte et qui a une certaine renommée mais si je le place ici c'est qu'il est pour moi incontestablement non seulement l'un des meilleurs du cinéaste mais aussi des années 90. Si Paul Thomas Anderson marchait encore sur les pas du cinéma de Scorsese et d'Altman, il signe une oeuvre magistrale et beaucoup plus accessible que les prochains films qu'il réalisera par la suite et qui diviseront le public.
Boogie Nights c'est l'alchimie parfaite entre les genres. Le drame, la comédie, la fresque et le film choral s'embrasent tous de manière virtuose et puis le côté série B greffé à celui du grand film en fait peut-être l'oeuvre la moins prétentieuse et pédante du cinéaste. A titre personnel c'est un des meilleurs films (avec Casino) où le montage est à montrer dans toutes les écoles de cinéma tant il est exceptionnel. Le casting est composé de grands acteurs, souvent cantonnés aux seconds rôles, tous remarquables. Le scénario est d'une grande qualité offre l'un des premiers (et meilleurs) rôle à Mark Wahlberg.
Le Trou
de Jacques Becker
A la prison de la Santé, des détenus d'une même cellule planifient leur évasion.
Le film de Becker tient une grande réputation surtout chez les cinéphiles mais il s'avère que c'est un des plus grands films (et français) que j'ai eu l'occasion de voir. Souvent on cite des films des cinéastes français les plus connus comme les plus grands classiques mais on en oublie des grandes œuvres comme celle là. Avec une approche quasiment documentaire et certains acteurs amateurs, le film est peut-être l'évasion la plus anti spectaculaire du cinéma mais paradoxalement la plus réaliste, tendue, fascinante et impressionnante.
Chaque plan est pesé, d'une efficacité totale, qui peut faire penser aux grandes oeuvres de Kubrick, Lumet ou même Bresson mais Jacques Becker se démarque rapidement par son regard omniscient et capte le côté anxiogène et psychologique de manière remarquable. Un chef d'oeuvre.
Outrages (Casualties of War)
de Brian De Palma
En pleine Guerre du Vietnam, une patrouille, dirigée par une tête brûlée, décide de prendre en otage une jeune vietnamienne pour se venger. Eriksson, en retrait et opposé à cette pratique, va se sentir tout de suite plus protecteur envers la fille quand cette dernière se fait violer par ses camarades.
Peut-être un des De Palma les plus sous estimés. Pourtant Outrages possède la force émotionnelle la plus percutante de la carrière du cinéaste avec Carrie. Le film fut un échec commercial à sa sortie, jugé trop simpliste et critiqué sur le choix de Michael J.Fox de manière complètement injuste. On a pourtant la version de la Guerre du Vietnam d'un des plus grands réalisateurs de son époque et qui signe son film le plus essentiel. C'est dommage de ne pas en profiter.
La musique de Morricone est comme souvent sublime et donne de l'ampleur au scénario brillant et aux thèmes universels, tous parfaitement construits et singuliers. De Palma est en pleine possession de son cinéma, celui moins référencé à son mentor Hitchcock, et les acteurs le lui rendent bien. C'est aussi le film le plus viscéral et violent du cinéaste qui va bien plus loin que Scarface car il y a l'ironie en moins. Si L'impasse est l'incontestable chef d'oeuvre de De Palma, c'est qu'Outrages l'a bien mis sur la voix quelques années auparavant. A réévaluer d'urgence.
Franck sillonne dans son ambulance tous les soirs dans les quartiers les plus chauds de New York, opérant sans cesse dans l'urgence et hanté par les vies qu'il n'a pas pu sauver.
Alors que Martin Scorsese se voit certains de ses films réhabilités (La Valse des pantins, Le temps de l'innocence), il reste toujours A tombeau ouvert étrangement laissé de côté (même au festival Lumière en 2015, aucune séance d'organisée). Ce qui est fort dommage car c'est l'équivalent de Taxi Driver sur les années 90 (le film est de 2000). Schrader et Scorsese remettent une nouvelle fois le couvert, le résultat aussi hypnotique que viscéral. Il peut forcément diviser mais si vous aimez le cinéaste, la médecine, les acteurs et New York : c'est un incontournable.
Dialogues, personnages, casting et un cinéaste au sommet de son talent pour un film qui se savoure de plus en plus de visionnage en visionnage, un peu comme Pulp Fiction. Un concentré des thèmes de Schrader et de Scorsese, tous les deux à la frontière des genres. Nicolas Cage circule tel un Nosferatu fatigué, traumatisé et mélancolique et nous dépeint l'Amérique et la ville de New York d'un versant inédit, comme Les flics ne dorment pas la nuit (traité plus haut). Avec Taxi Driver et La Valse des pantins, A tombeau ouvert clôt une trilogie sur les marginaux aux psychismes pour le moins dérangés et dérangeants. Tous les trois sont au même niveau et s'apprécient, brillent de différente manière : il serait dommage de les rater.
Dans une petite ville de l'Arkansas, trois frères âgés d'une vingtaine d'année n'ont plus aucun contact avec leur père depuis qu'il les a abandonnés. Il s'est remarié et a eu d'autres enfants. Quand il meurt, les conflits étouffés depuis des années entre les demi-frères éclatent.
C'est le premier film de Jeff Nichols, et déjà on perçoit les thèmes, le style du cinéaste qu'il mettra au diapason dans ses films suivants et des registres différents. A 29 ans Nichols signe un premier film, comme l'avait fait James Gray la décennie précédente (Little Odessa traité plus haut), très simple mais incroyablement profond, concis et brillant.
Sur les pas d'Arthur Penn, le cinéaste peut compter sur un scénario superbement écrit et des acteurs excellents, dont déjà Michael Shannon dont il collaborera à chaque fois ensuite. Shotgun stories est à la hauteur des autres films du cinéaste, c'est à dire grandiose, avec un respect du cinéma à l'ancienne et avec une relecture à la fois très moderne. Ce film possède le petit charme unique des premiers films que font des grands cinéastes d'auteurs. Et il serait dommage de ne pas s'y pencher dessus car c'est une des grandes réussites du cinéma américain des années 2000.
Alors que Martin Scorsese se voit certains de ses films réhabilités (La Valse des pantins, Le temps de l'innocence), il reste toujours A tombeau ouvert étrangement laissé de côté (même au festival Lumière en 2015, aucune séance d'organisée). Ce qui est fort dommage car c'est l'équivalent de Taxi Driver sur les années 90 (le film est de 2000). Schrader et Scorsese remettent une nouvelle fois le couvert, le résultat aussi hypnotique que viscéral. Il peut forcément diviser mais si vous aimez le cinéaste, la médecine, les acteurs et New York : c'est un incontournable.
Dialogues, personnages, casting et un cinéaste au sommet de son talent pour un film qui se savoure de plus en plus de visionnage en visionnage, un peu comme Pulp Fiction. Un concentré des thèmes de Schrader et de Scorsese, tous les deux à la frontière des genres. Nicolas Cage circule tel un Nosferatu fatigué, traumatisé et mélancolique et nous dépeint l'Amérique et la ville de New York d'un versant inédit, comme Les flics ne dorment pas la nuit (traité plus haut). Avec Taxi Driver et La Valse des pantins, A tombeau ouvert clôt une trilogie sur les marginaux aux psychismes pour le moins dérangés et dérangeants. Tous les trois sont au même niveau et s'apprécient, brillent de différente manière : il serait dommage de les rater.
Shotgun Stories
de Jeff Nichols
C'est le premier film de Jeff Nichols, et déjà on perçoit les thèmes, le style du cinéaste qu'il mettra au diapason dans ses films suivants et des registres différents. A 29 ans Nichols signe un premier film, comme l'avait fait James Gray la décennie précédente (Little Odessa traité plus haut), très simple mais incroyablement profond, concis et brillant.
Sur les pas d'Arthur Penn, le cinéaste peut compter sur un scénario superbement écrit et des acteurs excellents, dont déjà Michael Shannon dont il collaborera à chaque fois ensuite. Shotgun stories est à la hauteur des autres films du cinéaste, c'est à dire grandiose, avec un respect du cinéma à l'ancienne et avec une relecture à la fois très moderne. Ce film possède le petit charme unique des premiers films que font des grands cinéastes d'auteurs. Et il serait dommage de ne pas s'y pencher dessus car c'est une des grandes réussites du cinéma américain des années 2000.
Watchmen
de Zack Snyder
Parmi l'avalanche de produits marquetés sous l'appellation Marvel ou Comics qui sortent chaque mois en salles, je choisis ouvertement ce film pour restituer au moins le statut d'un vrai grand film de supers héros. Certes il est exigeant, peut paraître grossier, mais en fait il est assez avant gardiste et s'avère être la grande exception du cinéaste, qui n'aura jamais proposé autre chose d'aussi intéressant par la suite.
A l'époque Watchmen a été très mal accueillit par la presse, la durée a freiné le public à aller le voir en salles (comme pour le dernier Blade Runner 2049). Mais franchement quelle claque. C'est un superbe film qui réussit autant sur le parti visuel et dans la mise en scène que sur son scénario d'une grande ampleur et d'une dextérité assez rare. Le film se suffit complètement à lui-même et propose un spectacle total au service de son histoire. Casting sans tête d'affiche, Watchmen est un film à part dans tous les films de super-héros (même les meilleurs) car il est plus complexe, sombre et beaucoup plus adulte. Cependant chaque scène, et l'ensemble a l’étoffe d'un très grand film noir et graphique. A l'image du personnage de Rorschach, c'est la grande classe.
On achève bien les chevaux (They shoot Horses, Don't they ?)
de Sidney Pollack
Peut-être le plus grand film de Sidney Pollack et l'une des adaptations à l'écran les plus puissantes que j'ai eu l'occasion de voir. A l'image du roman, le concours de danse est le prisme de la société, réduisant les pauvres à l'esclavage et à "danser" pour les riches, les joueurs. Pollack signe un film toujours poignant et d'une maîtrise absolue en offrant de superbes rôles aux acteurs (dont de loin le meilleur à Jane Fonda).
Comme Spartacus, ce film est intemporel et d'une force émotionnelle rare qui ne vous laissera pas de marbre. On achève bien les chevaux est l'un des plus grands films du cinéma selon moi et il dommage qu'il soit trop souvent cantonné à l'image de la filmographie du cinéaste, des grands films mais considérés comme inoffensifs. C'est bien dommage car Stanley Kubrick, Michael Cimino ou Arthur Penn ont du apprécier et n'auraient certainement pas fait mieux que Pollack.
Requiem pour un massacre (Idi I Smotri)
d'Elem Klimov
La Seconde Guerre Mondiale, Floria s'engage très jeune chez les partisans pour lutter contre les nazis. Il va découvrir la vie à travers une Guerre d'une extrême violence.
Rares ceux qui ont vus ce film me contrediront, Requiem pour un massacre est un choc total. Ces derniers vous affirmeront que c'est un pur chef d'oeuvre. Peu de films abordent de cette manière la guerre, le côté introspectif de la violence et de l'enfance de manière aussi clinique et incroyablement dérangeant.
Le gamin (exceptionnel) et le regard du cinéaste hanteront à vie votre souvenir de cinéphile. Un des plus grands films que j'ai eu l'occasion de voir, et, à visionner d'urgence à condition de ne pas être trop sensible.
PS : Comme le film de Pollack ci dessus, il est difficile de se trouver une édition dvd/blu ray correcte ou décente par rapport à la grandeur et l'importance qu'on ces films.
Quelques autres titres que j'aurai pu traiter :
Les tueurs de la lune de miel (Leonard Kastle),
Nos funérailles (Abel Ferrara),
L'invasion des profanateurs de sépultures (Philip Kaufman),
Le couperet (Casta Gavras), M Butterfly (David Cronenberg),
Des Hommes d'influence (Barry Levinson), Safe (Todd Haynes),
Le Grand Saut (frères Coen), Un plan simple (Sam Raimi),
Avril et le monde truqué (Christian Desmares, Franck Ekinci),
Bronson (Nicolas Winding Refn), Bound (Frères Wachowski)
La maison du diable (Robert Wise), Kafka (Steven Soderbergh)
Tesis (Alejandro Amenabar) ...
